MOVIE REVIEW: “The Whale” (2022)

Synopsis: Isolated from the rest of the world, an English teacher who teaches online (to hide his 200+ pounds) tries to reconnect with his estranged daughter as he binge eats (to death) as a way to cope with the loss from his partner.

Having to deal with controversial themes was not always a maxim within American cinema (quite the contrary, to be quite honest). The concept of choices and approaches to subjects that belong to this category have never been a priority, but fortunately, this scenario has been changing over the years and even though this is being done at relatively slow steps, some filmmakers are too bold to face the possible prejudices that their movies may suffer from a more conservative audience. This may be the case of this movie, which has as its most important background themes such as homosexuality and morbid obesity.

In the plot, an English teacher has to learn to deal with the death of his partner. Failing to overcome this challenge, he finds food the most viable way to take out all his frustrations. After discovering that his health is extremely weak, he makes an unexpected decision and runs against time to try to reconcile with his daughter, a person with whom he doesn't have a very good relationship. This plot brings themes of global importance and by treating them in an almost “claustrophobic” way, the public is literally “asphyxiated” by it, not only for the strong approach in which it is built, but for all the powerful messages that are there.

Within a limitation of scenarios (an aspect that increases the feeling of claustrophobia throughout the scenes, which basically only take place inside the protagonist's house), the plot is developed at a slow pace. In several moments the construction can be seen as something “boring” or “unnecessarily long”, but the fact is that all these moments are more than welcome to the plot, because the idea is to make the public feel the same sensations as the movie characters are feeling. The level of immersion is one of the biggest successes here, because if you have the sensitivity to watch this movie with your eyes focused on the themes, you will certainly dive deep into the whole story.

In the middle of almost two hours, the script throws a great construction of ideas on the screen. Bringing loneliness, refuges, fears, apprehensions and overcoming as extra ingredients to shape an impactful story (dramatically and visually), the weight of the plot is uncomfortable and brings a rather indigestible feeling to those who are watching it happen. The idea is to sensitize people in relation to the selected topics, but at the same time, awaken some more atypical feelings in these same people, so that there is a broader and more democratic debate about some things that not everyone likes, or wants or knows how to talk about. Little by little the movi embraces you, suffocates you and makes you think and rethink things.

A macro look (but which is sometimes also intentionally micro) about depression is played on the screen without much subterfuge. Being classified as a “silent killer”, the protagonist sinks himself into a sea of frustrations which he cannot control. Surrendering to failure, all that's left is trying to stay alive in the most wrong ways possible. Sewing different types of approaches on this topic, do not be surprised if the movie seems to go in circles, but pay close attention to the small details that responsibly enhance some of the most negative impacts that depression can bring to an unbelieving person.

Samuel D. Hunter bets on a very sensitive type of writing to bring the script to life (something he does very well, despite the less inspired moments of the plot... which, fortunately, are few and almost irrelevant in the general context), which manages to be strong and weak simultaneously, evidencing the determination, but also the fragility with which the protagonist needs to balance his own life. Being inhabited by few characters, the development of the cast is quite noticeable, and even if the highlight is evident for only one of them, all the rest are also great. They each have their own moment to shine, but everything, absolutely everything revolves around Brendan Fraser.

Without the slightest shadow of a doubt (because this is something more than obvious, which is so obvious that it's ridiculous in terms of acting... in the good sense of the word), Brendan Frases is the most important element of the project. Very carefully chosen by director Darren Aronofsky (who, by the way, bets on an atmosphere full of subversive events and challenging decisions to make the public connect with the movie, which is a great addition to his role as director in all his hits and small mistakes), he simply delivers the best performance of his entire life so far. Visually deconstructed and psychologically upset, everything here works very well.

The Whale is that kind of movie that won't let you watch it without squirming a little in your chair (or couch). Not because it's a visually scary movie, but because it's a scary movie between the lines. If you stop and "dissect" it, you will certainly realize how impactful he is for everything he represents to so many people. Its technical elements also corroborate the success of the project, which has great editing (slow and assertive), a simple soundtrack (but very powerful) and purposefully matte lighting (and sometimes dark) that makes the setting of everything in something more intimate, strengthening all the main messages that must be assimilated.

Sinopsis: Aislado del resto del mundo, un profesor de inglés que enseña en línea (para ocultar sus más de 200 libras) intenta reconectarse con su hija separada mientras come en exceso (hasta la muerte) como una forma de sobrellevar la pérdida de su pareja.

Tener que lidiar con temas controvertidos no siempre fue una máxima dentro del cine estadounidense (más bien al contrario, para ser honestos). El concepto de elección y acercamiento a los temas que pertenecen a esta categoría nunca ha sido una prioridad, pero afortunadamente este escenario ha ido cambiando a lo largo de los años y aunque esto se está haciendo a pasos relativamente lentos, algunos cineastas son demasiado audaces para enfrentar la posibles prejuicios que puedan sufrir sus películas por parte de un público más conservador. Este puede ser el caso de esta película, que tiene como antecedentes más importantes temas como la homosexualidad y la obesidad mórbida.

En la trama, un profesor de inglés tiene que aprender a lidiar con la muerte de su pareja. Al no poder superar este desafío, encuentra en la comida la forma más viable de sacar todas sus frustraciones. Tras descubrir que su salud es extremadamente débil, toma una decisión inesperada y corre contrarreloj para intentar reconciliarse con su hija, una persona con la que no tiene una relación muy buena. Esta trama trae temas de trascendencia mundial y al tratarlos de una manera casi “claustrofóbica”, el público queda literalmente “asfixiado” por ella, no solo por el fuerte enfoque en el que está construida, sino por todos los poderosos mensajes que allí se encuentran.

Dentro de una limitación de escenarios (aspecto que aumenta la sensación de claustrofobia a lo largo de las escenas, que básicamente sólo transcurren en el interior de la casa del protagonista), la trama se desarrolla a un ritmo pausado. En varios momentos la construcción puede verse como algo “aburrido” o “innecesariamente largo”, pero el caso es que todos estos momentos son más que bienvenidos a la trama, porque la idea es hacer sentir al espectador las mismas sensaciones que están sintiendo los personajes de la película. El nivel de inmersión es uno de los mayores aciertos aquí, porque si tienes la sensibilidad para ver esta película con los ojos enfocados en los temas, seguramente te sumergirás profundamente en toda la historia.

En medio de casi dos horas, el guión arroja a la pantalla una gran construcción de ideas. Con la soledad, los refugios, los miedos, las aprensiones y la superación como ingredientes adicionales para dar forma a una historia impactante (dramática y visualmente), el peso de la trama es incómodo y genera una sensación bastante indigerible para quienes la observan. La idea es sensibilizar a la gente en relación a los temas seleccionados, pero al mismo tiempo, despertar algunos sentimientos más atípicos en estas mismas personas, para que haya un debate más amplio y democrático sobre algunas cosas que no a todos les gustan, o quieren o sabe hablar. Poco a poco la película te abraza, te asfixia y te hace pensar y repensar las cosas.

Una mirada macro (pero que a veces también es intencionalmente micro) sobre la depresión se juega en la pantalla sin muchos subterfugios. Siendo catalogado como un “asesino silencioso”, el protagonista se sumerge en un mar de frustraciones que no puede controlar. Rendirse al fracaso, todo lo que queda es tratar de mantenerse con vida en las formas más equivocadas posibles. Cosiendo diferentes tipos de enfoques sobre este tema, no se sorprenda si la película parece ir en círculos, pero preste mucha atención a los pequeños detalles que potencian responsablemente algunos de los impactos más negativos que la depresión puede traer a una persona incrédula.

Samuel D. Hunter apuesta por una escritura muy sensible para dar vida al guión (algo que hace muy bien, a pesar de los momentos menos inspirados de la trama... que, afortunadamente, son pocos y casi irrelevantes en el contexto general), que logra ser fuerte y débil a la vez, evidenciando la determinación, pero también la fragilidad con la que el protagonista necesita equilibrar su propia vida. Al estar habitado por pocos personajes, el desarrollo del elenco es bastante notable, y aunque el destaque es evidente para solo uno de ellos, todos los demás también son geniales. Cada uno tiene su momento para brillar, pero todo, absolutamente todo, gira en torno a Brendan Fraser.

Sin la menor duda (porque esto es algo más que obvio, que es tan obvio que es ridículo en términos de actuación... en el buen sentido de la palabra), Brendan Frases es el elemento más importante del proyecto. Muy cuidadosamente elegido por el director Darren Aronofsky (quien, por cierto, apuesta por una atmósfera llena de hechos subversivos y decisiones desafiantes para hacer que el público conecte con la película, lo cual es un gran añadido a su papel como director en todos sus éxitos y pequeños errores), simplemente ofrece la mejor actuación de toda su vida hasta el momento. Visualmente deconstruido y psicológicamente trastornado, todo aquí funciona muy bien.

La ballena es ese tipo de película que no te permitirá verla sin retorcerte un poco en tu silla (o sofá). No porque sea una película visualmente aterradora, sino porque es una película aterradora entre líneas. Si te detienes y lo "diseccionas", seguramente te darás cuenta de lo impactante que es por todo lo que representa para tanta gente. Sus elementos técnicos corroboran también el acierto del proyecto, que cuenta con una gran edición (lenta y asertiva), una banda sonora sencilla (pero muy potente) y una iluminación intencionadamente mate (y en ocasiones oscura) que convierte la ambientación de todo en algo más íntimo, reforzando todos los mensajes principales que deben ser asimilados.

Sinopse: Isolado do restante do mundo, um professor de Inglês que dá aulas online (para esconder os seus mais de 200 quilos) tenta se reconectar com sua filha distante, enquanto ele vai comendo descontroladamente (até a morte) como uma forma de lidar com a perda do seu parceiro.

Ter que lidar com temas polêmicos nem sempre foi uma máxima dentro do cinema americano (muito pelo contrário, para ser bem honesto). O conceito de escolhas e abordagens dos assuntos que pertencem a essa categoria nunca foram uma prioridade, mas felizmente, esse cenário vem mudando ao longo dos anos e ainda que isso esteja sendo feito a passos relativamente lentos, alguns cineastas são demasiadamente ousados para enfrentar os possíveis preconceitos que os seus filmes podem sofrer por parte de um público mais conservador. Esse pode ser o caso deste filme, que tem como seus mais importantes planos de fundo temas como a homossexualidade, e a obesidade mórbida.

Na trama, um professor de Inglês tem que aprender a lidar com a morte do seu parceiro. Ao falhar em superar este desafio, ele encontra na comida o caminho mais viável para descontar todas as suas frustrações. Após descobrir que a sua saúde está extremamente debilitada, ele toma uma decisão inesperada e corre contra o tempo para tentar se reconciliar com à sua filha, uma pessoa com quem ele não tem uma relação muito boa. Esse enredo traz temas de importância global e ao tratá-los de uma maneira quase “claustrofóbica”, o público é literalmente “asfixiado” por ele, não apenas pela forte abordagem em que ele é construído, mas por todas as mensagens poderosas que estão ali.

Dentro de uma limitação de cenários (aspecto que aumenta o sentimento de claustrofobia ao longo das cenas, que basicamente acontecem apenas dentro da casa do protagonista), a trama é desenvolvida a passos lentos. Em vários momentos a construção pode ser vista como algo “chato” ou “desnecessariamente longo”, mas o fato é que todos esses momentos são mais do que bem-vindos à trama, porque a ideia é fazer o público sentir as mesmas sensações que os personagens do filme estão sentindo. O nível de imersão é um dos maiores sucessos aqui, porque se você tem a sensibilidade de assistir a este filme com o olhar focado nos temas, certamente vai mergulhar fundo em toda estória.

Em meio a quase duas horas, o roteiro joga na tela uma ótima construção de ideias. Trazendo solidão, refúgios, medos, receios e superação como ingredientes extras para moldar uma estória impactante (dramaticamente e visualmente), o peso da trama é incômodo e traz uma sensação bastante indigesta para quem a está assistindo acontecer. A ideia é sensibilizar as pessoas em relação aos temas selecionados, mas ao mesmo tempo, despertar alguns sentimentos mais atípicos nessas mesmas pessoa, para que haja um debate mais amplo e democrático sobre algumas coisas que nem todo mundo gosta, ou quer ou sabe falar. Pouco a pouco o filme te abraça, te sufoca e te faz pensar e repensar coisas.

Um olhar macro (mas que às vezes também é propositalmente micro) sobre à depressão é jogado na tela sem muitos subterfúgios. Sendo classificada como uma “assassina silenciosa”, o protagonista vai afundando a si mesmo dentro de um mar de frustrações ao qual ele não consegue controlar. Se rendendo ao fracasso, tudo o que lhe resta é tentar se manter vivo das maneiras mais erradas possíveis. Costurando diferentes tipos de abordagens sobre esse tema, não se espante se o filme parecer andar em círculos, mas preste bem atenção aos pequenos detalhes que potencializam com muita responsabilidade alguns dos impactos mais negativos que à depressão pode trazer para uma pessoa descrente.

Samuel D. Hunter aposta em um tipo de escrita muito sensível para dar vida ao roteiro (algo que ele faz muito bem, apesar dos momentos menos inspirados da trama... que felizmente são poucos e quase irrelevantes no contexto geral), que consegue ser forte e fraco de forma simultânea, evidenciando a determinação, mas também a fragilidade com a qual o protagonista precisa balancear à própria vida. Sendo habitado por poucos personagens, o desenvolvimento do elenco é bem notório, e mesmo que o destaque seja evidente para apenas um deles, todo o restante também é ótimo. Cada um deles tem o seu próprio momento de brilhar, mas tudo, absolutamente tudo gira em torno de Brendan Fraser.

Sem a menor sombra de dúvidas (porque isso é algo mais do que evidente, que de tão óbvio chega a ser ridículo em termos de atuação... no bom sentido da palavra), Brendan Frases é o elemento mais importante do projeto. Escolhido muito criteriosamente pelo diretor Darren Aronofsky (que aliás, aposta em uma atmosfera repleta de acontecimentos subversivos e decisões desafiadoras para fazer com que o público se conecte com o filme, que é uma ótima adição na sua função de diretor em todos os seus acertos e pequenos erros), ele simplesmente entrega à melhor atuação de toda à sua vida até então. Visualmente descontruído e psicologicamente transtornado, tudo aqui funciona muito bem.

A Baleia é aquele tipo de filme que não vai te deixar assisti-lo sem se contorcer um pouco na cadeira (ou no sofá). Não por ser um filme visualmente assustador, mas por ser um filme assustador nas suas entrelinhas. Se você parar e “dissecá-lo”, certamente irá perceber o quão impactante ele é por tudo o que ele representa para tantas pessoas. Os seus elementos técnicos também corroboram para o sucesso do projeto, que tem uma ótima edição (lenta e assertiva), uma trilha sonora singela (mas muito poderosa) e uma iluminação propositalmente fosca (e às vezes escura) que torna à ambientação de tudo em algo mais intimista, fortalecendo todas às principais mensagens que devem ser assimiladas.